Comment écrire, réaliser et monter votre propre film

Avez-vous déjà voulu faire votre propre film? Rédaction, réalisation etapprendre à éditervotre propre film est une proposition intimidante, mais il vous donne le contrôle créatif ultime de votre création. Vous devriez être prêt à faire beaucoup de travail juste pour faire votre film, mais vous devriez également être prêt à vous amuser beaucoup. Alors prenez quelques amis, rassemblez un appareil photo et préparez-vous à rouler - Hollywood vous appelle.

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Méthode un sur 4: Écrire votre film

1. un Venez avec une idée. À moins d'avoir une imagination de la taille de l'Océanie, ce sera la partie la plus difficile. Cependant, l'idée de votre film n'a pas besoin d'être une confrontation intense avec la muse artistique. Essayez d'obtenir une bonne phrase, comme celle que vous avez lue dans la description d'un film, pour baser votre film. Quel est le conflit, le personnage ou l'histoire tu Veux dire? Gardez à l'esprit quelques points lors de la planification:
   • Plus petit est meilleur - si vous photographiez vous-même, chaque personnage supplémentaire, lieu et effet spécial devra être financé et compris à un moment donné.
   • Quel genre visez-vous? Comédie? Sci-fi? Drame? Une fois que vous connaissez votre genre, vous pouvez commencer à penser aux intrigues et aux personnages qui lui correspondent.
   • Quelles sont les combinaisons de films que vous n'avez pas vues? Bien que cela semble enfantin, presque tous les films et la télévision sont des hybrides d'autres films, séries et genres. Par exemple, crépuscule est Vampire + Romance Novel. Avez-vous vu un bon western comique? Et une science-fiction stoner? Comment pouvez-vous correspondre à vos intérêts de manière inattendue?
   • Où avez-vous de l'expérience? Pouvez-vous commenter de manière originale le quotidien d'un employé de bureau? En savez-vous plus sur le disc golf que quiconque? Y a-t-il un film dans ces expériences quelque part?
   • Recherchez des «lignes de journal» pour vos films préférés pour vous inspirer. Ce sont des synopsis similaires en une phrase des films utilisés pour vendre le script aux dirigeants de films. Vous pouvez en rechercher des milliers en ligne.
2. 2 Inventez vos personnages. Les personnages conduisent des histoires. Presque tous les films sont le résultat d'un personnage qui veut quelque chose mais qui est incapable de l'obtenir. Le film montre ensuite les épreuves et les tribulations du ou des personnages alors qu'ils essaient de satisfaire leurs désirs (obtenir la fille, sauver le monde, collège universitaire, etc.) Le public est lié au personnage, pas à votre film, vous avez donc besoin pour vous assurer d'avoir des personnages bien pensés avant de commencer. Bons personnages:
   • Sont ronds. Cela signifie qu'ils ont de multiples facettes, pas seulement un «homme en colère» ou une «héroïne forte». Les personnages ronds ont des atouts et faiblesses, ce qui les rend accessibles au public.
   • Avoir des désirs et des peurs. Même s'il n'y en a qu'un de chaque, un bon personnage veut quelque chose mais est incapable de l'obtenir. Leur capacité ou incapacité à surmonter leur peur (d'être pauvre, d'être seul, des extraterrestres, des araignées, etc.) est ce qui anime leur conflit.
   • Avoir une agence. Un bon personnage n'est pas fouetté parce que votre script Besoins eux pour aller quelque part. Un bon personnage fait des choix qui font avancer l'intrigue. Parfois, ce n'est qu'un choix qui motive tout le reste (Llewellyn, Il n'y a pas de pays pour les vieillards ), parfois c'est une série de bons / mauvais choix dans chaque scène ( Américain Hustle ).
3. 3 Esquissez les principaux points de l'intrigue de votre film. Certaines personnes aiment trouver des personnages et une prémisse, puis commencer à écrire. Cependant, tous les scénaristes voient la valeur de l'intrigue en 5 points, où 5 moments clés et progressifs composent le film. Presque tous les films réalisés suivent cette structure générale, de Parc jurassique, et Juste amis, à L'ascendance de Jupiter.' Cela ne signifie pas que votre script doit suivre ce modèle, mais il existe une méthode à la folie. Il y a 5 moments majeurs dans chaque film qui tombent exactement au même endroit, et vous avez besoin d'une bonne raison pour vous écarter de ce système si vous voulez être `` original '':
   • La mise en place: Qui sont vos personnages, où vivent-ils et que veulent-ils? Il s'agit des 10 premiers% ou moins de votre film.
   • Le changement de plans / d'opportunité / de conflit: Quelque chose arrive qui met en mouvement votre conflit - Erin Brockovich obtient un emploi, l'école de Super mal organise une fête, Neo est présenté à La matrice, etc. C'est à peu près le 1/3 de votre script.
   • Le point de non-retour: Jusqu'à présent, les personnages travaillent dur pour faire de leurs objectifs une réalité. Mais, à mi-chemin du film, il se passe quelque chose qui rend impossible le retour en arrière. Un méchant Bond attaque à nouveau, le Gladiateur arrive à Rome, Thelma et Louise voler leur premier magasin, etc.
   • Le revers majeur: Depuis le point de non-retour, les enjeux sont devenus plus élevés. Pour les personnages et le public, tout espoir semble perdu. C'est à ce moment-là que la fille et le gars se séparent dans toutes les comédies romantiques jamais réalisées, lorsque Ron Burgundy se fait virer Anchorman, et quand John McClane est battu et ensanglanté Le dur. Cela arrive à 75% de votre histoire.
   • Le Climax: Les personnages font un dernier effort pour atteindre leurs objectifs, culminant dans leur plus grand défi de tous. C'est la course à travers le moment de l'aéroport, les derniers trous dans Caddyshack, ou la confrontation entre héros et méchant. Une fois résolus, les 10 derniers% du script relient les détails et montrent les conséquences de l'apogée.
4. 4 Écrivez votre script. Si vous produisez vous-même le film, vous pouvez utiliser le format d’écriture de votre choix. Cependant, des logiciels de scénarisation tels que Celtx, Writer Duets et Final Draft vous aideront à obtenir un formatage de qualité studio ainsi que des outils spécifiques aux scénaristes. Ces programmes se formateront automatiquement pour vous et sont un excellent moyen de connaître la durée de votre film - 1 page de script formaté équivaut à environ 1 minute de temps d'écran.
   • Donnez-vous des notes sur des choses comme le décor, les décors et les acteurs, mais concentrez-vous principalement sur le dialogue. Vous prendrez les autres décisions plus tard, lorsque vous aurez des caméras, des acteurs et des lieux.
   • Préparez-vous également aux réécritures. Il est presque impossible d'obtenir tous vos moments - personnages, intrigues, thèmes, blagues, etc. - dès le premier passage. Une fois que vous avez terminé, revenez au script et essayez de le lire objectivement. Voudriez-vous regarder ce film?
5. 5 Faites une lecture de table pour améliorer votre écriture. Les lectures de table sont essentielles pour perfectionner un bon scénario et se préparer à filmer. Rassemblez quelques amis ou acteurs et donnez-leur à chacun un scénario 2-3 jours à l'avance. Ensuite, invitez-les et faites une lecture à sec du film entier, en leur demandant de parler des parties pendant que vous ou quelqu'un d'autre racontez les actions. Notez toutes les lignes qui ne semblent pas naturelles ou gênantes, les endroits où une scène est courte et le temps de lecture du script.
   • Demandez aux acteurs / amis ce qu'ils en ont pensé. Où ont-ils été confus, qu'aimaient-ils? Demandez-leur s'ils avaient l'impression que leur personnage était bien pensé et cohérent.
   • Essayez de ne pas jouer un rôle et écoutez simplement. Entendez-vous votre film prendre vie? Cela ressemble-t-il à ce que vous espériez? Vous voulez entendre ces moments maintenant, pas lorsque les caméras s'allument.
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Méthode 2 sur 4: Préparation à la production

1. un Faites une liste de tous vos besoins en équipement et équipement. Faire un film nécessite beaucoup de matériel, y compris des caméras, des microphones et des lumières. Faites un rapide inventaire de ce que vous avez pour l'équipement, puis trouvez des moyens de combler les trous:
   • Appareils photo: Bien sûr, vous ne pourriez jamais filmer un film sans appareil photo. Pour la plupart des films, vous avez besoin d'au moins 2 caméras, et de préférence 3. Cela dit, les progrès des caméras modernes ont permis de filmer un film avec un iPhone 6, vous n'avez donc plus à perdre beaucoup d'argent. Le plus important pour un film professionnel est d'avoir des caméras qui tournent dans le même format (1080i, par exemple), sinon la qualité vidéo changera subtilement à chaque coupure. Si vous avez un budget limité, vous pouvez généralement vous en tirer avec votre téléphone ou un appareil photo reflex numérique standard.
   • Microphones: Si vous êtes dans une impasse, dépensez votre argent en équipement audio: il est prouvé que le public remarque un mauvais son avant une mauvaise vidéo. Bien que vous puissiez utiliser les microphones de caméra attachés si vous le devez, un micro Tascam ou fusil de chasse est toujours un investissement rentable.
   • Éclairage: Si vous pouvez obtenir un excellent kit d'éclairage de 3 à 5 pièces, utilisez-le. Ces lumières ont une variété de fonctions et de réglages qui vous aident à éclairer toutes les situations imaginables. Cependant, 5 à 10 lampes à pince et rallonges bon marché ont éclairé de nombreux films indépendants. Tout ce dont vous avez besoin, ce sont des lumières et différentes ampoules (tungstène, dépoli, LED, etc.) pour personnaliser votre scène.
   • Accessoires essentiels: Selon le film, vous aurez besoin de cartes mémoire, d'un disque dur de sauvegarde, de trépieds, de réflecteurs de lumière, de rallonges, de ruban noir (pour couvrir ou coller les fils) et d'un logiciel de montage vidéo informatique.
2. 2 Créez un storyboard pour chaque scène. Les storyboards ressemblent un peu à des bandes dessinées brutes - vous dessinez le plan général, puis ajoutez le dialogue qui doit être dit en dessous. Vous pouvez facilement télécharger des modèles en ligne, puis les dessiner avant un tournage. Les storyboards sont comme des listes de contrôle pendant que vous filmez, vous aidant à capturer chaque plan dont vous avez besoin afin que, lorsque vous montez, vous ne réalisez pas soudainement que vous manquez quelque chose.
   • Chaque image que vous dessinez devient votre liste de plans - un livre détaillé contenant tous les angles de caméra que vous devez capturer pour raconter votre histoire. Une fois votre storyboard terminé, copiez-le et mettez-le dans un classeur pour référence ultérieure.
   • Prenez des notes sur les coupures et les transitions, ainsi que sur les effets sonores essentiels. Ces dessins n'ont pas besoin d'être de l'art, ils doivent raconter visuellement l'histoire de votre film.
   • Ceux-ci peuvent sembler fastidieux, mais ils vous feront gagner du temps sur le plateau, ce qui devient rapidement coûteux.
3. 3 Trouvez vos décors et emplacements. Il existe de nombreuses écoles de pensée sur le choix des ensembles, et aucune d'elles ne se trompe. Vous pouvez créer vos propres ensembles pour un contrôle créatif ultime, mais cela prend du temps et beaucoup d'argent. Vous pouvez également filmer dans des maisons et des endroits auxquels vous avez facilement accès, comme la maison ou la cour de votre ami. Alternativement, vous pouvez louer des espaces que vous aimez et obtenir les droits de filmer dans une école, un hôtel ou un parc. Quoi que vous fassiez, assurez-vous que votre décor correspond à votre film et vous permettra, à vous et à votre équipe, de reprendre les lieux pendant plusieurs heures, sans être dérangés.
4. 4 Utilisez votre storyboard et votre liste d'équipement pour établir votre budget. C'est peut-être le moment que chaque cinéaste déteste le plus, mais vous avez besoin d'une idée réaliste du coût de votre film avant de commencer le tournage. Vous ne voulez pas, par exemple, arriver à mi-parcours du tournage et réaliser que vous ne pouvez plus vous permettre de louer une voiture pour la scène de poursuite décisive. Gardez votre budget simple et réaliste. Avez-vous vraiment besoin de 10 pistolets à hélice, ou pouvez-vous le faire avec 2? Pouvez-vous éliminer ou modifier une scène avec 100 extras pour en avoir 10? Vous devez prévoir un budget pour:
   • Équipement que vous ne possédez pas actuellement.
   • Accessoires, costumes et emplacements (comme la location d'une salle de bal ou d'un restaurant).
   • Frais d'équipage et d'acteur. Il est possible d'obtenir gratuitement des équipes et des acteurs, mais il est rare que les gens aident pendant plus de 1 à 2 jours sans salaire. Vous pourrez peut-être offrir des faveurs en échange de leur aide sur une production plus courte.
   • Les frais de nourriture et de transport pour vous, l'équipe et les acteurs.
   • Sachez que pour un tournage `` professionnel '', avec une équipe et des acteurs payés, vous devez prévoir un budget, à le minimum, 5 000 $ par jour.
5. 5 Embaucher des acteurs et des membres d'équipage. Vous avez vos personnages, votre liste de tir et l'équipement nécessaire - maintenant vous avez besoin de quelqu'un pour tout utiliser. Comment choisir des acteurs est un choix personnel - vous pouvez organiser des auditions en utilisant Craigslist ou des articles de journaux, visiter les théâtres locaux ou impliquer vos amis. En ce qui concerne les membres d'équipage, il existe une variété de postes que vous devez remplir:
   • Directeur de la photographie (DP): Sans doute le travail le plus important, ils sont en charge des caméras et des lumières. Pendant que vous dirigez les acteurs et que vous donnez le dernier mot sur le plan, ils gèrent les aspects techniques du film. Vous avez besoin de quelqu'un qui comprend les objectifs, les appareils photo et l'éclairage, même si ce n'est qu'un ami qui aime la photographie. Il est très, très difficile d'éclairer efficacement une scène, un lieu, des caméras, de regarder des acteurs et de définir le décor en même temps, alors demandez à quelqu'un qui peut vous soulager d'une partie de la charge et vous permettre de diriger.
   • Directeur adjoint (AD) : Planifie les plans, s'assure que la liste des plans est couverte, filme de petites scènes si le réalisateur est occupé. Peut également aider le budget.
   • Opérateurs de caméras et de microphones: Explicite, mais essentiel. Vous ne pouvez pas faire de film sans eux.
   • Maquilleur: Bien que n'importe qui puisse le faire, son travail principal est la continuité. À moins que votre film ne passe beaucoup de temps, vous avez besoin que le visage et les costumes de l'acteur soient identiques dans chaque scène, sinon le public remarquera les changements. Prenez des photos tous les jours du costume, du maquillage et des scènes pour vous assurer qu'il a la même apparence.
   • Ingénieur du son: Écoutez tout le son pendant son enregistrement, en vous assurant qu'il est correct. Ils placent également les microphones pour capturer le dialogue une fois que les lumières ont été placées.
   • Producteur exécutif: Vérifie les emplacements à l'avance, s'assure que les permis et les contrats sont écrits et signés.
   • Assistant de production: Toujours utiles, ces personnes font tout ce qui doit être fait: préparer la nourriture et le café, essuyer les cartes mémoire et même tenir un appareil photo en cas de besoin. Vous ne pouvez jamais avoir assez de membres d'équipage.
6. 6 Signer des contrats. Peu importe avec qui vous travaillez ou quel est le projet, faites signer un contrat. Cela vous protège en cas d'accident, oblige légalement les gens à voir votre film jusqu'à son terme et empêche les poursuites au cas où le film serait récupéré. Vous pouvez rechercher en ligne «Contrat de film d'acteur», «Contrat de producteur», etc. et l'adapter à vos besoins facilement et librement, alors ne lésinez pas sur cette étape.
   • Les contrats sont, paradoxalement, un excellent moyen de préserver les amitiés. Au lieu de discuter de quelque chose plus tard, vous pouvez simplement revenir à ce que vous avez déjà par écrit.
   • Assurez-vous d'avoir une disposition, en particulier pour les acteurs, qui les oblige à terminer le film une fois qu'ils ont commencé à tourner.
7. sept Faites votre horaire de tournage. De façon réaliste, à moins que vous n'ayez que quelques personnes dans votre script et 1 à 2 emplacements, vous n'obtiendrez que 5 à 10 pages de votre script dans une bonne journée. Pour les scènes volumineuses ou difficiles, vous ne pouvez obtenir que 2-3 pages. Plus vous passez de temps à filmer, mieux c'est, mais plus vous passez de temps à filmer, plus vous dépenserez également d'argent. La façon dont vous équilibrez cela dépend de quelques facteurs:
   • Quelles scènes se déroulent toutes au même endroit? Pouvez-vous les filmer, même s'ils ne sont pas en ordre, le même jour?
   • Quelles scènes ont des listes de plans massives? Les faire en premier peut vous assurer d'obtenir les «grandes» scènes comme vous le souhaitez.
   • Y a-t-il des tirs inutiles si le temps / l'argent manque? Mettez ces derniers.
   • Ce calendrier peut, et devra probablement, être fluide. Mais plus vous pouvez vous y tenir, mieux c'est.
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Méthode 3 sur 4: Filmer votre film

1. un Préparez-vous à tout à l'avance. Vous devriez être le premier sur le plateau et le dernier à partir chaque jour. Filmer un film n'est pas facile et vous devez supposer que tout ce qui peut mal tourner le sera. Les acteurs tombent malades, la météo ne coopère pas et il y a des centaines de petites décisions (éclairage, placement des personnages, costumes) qui doivent être prises toutes les heures. La seule façon de réussir un tournage est de faire autant de travail que possible avant même de commencer.
   • Passez en revue la liste des prises du jour. De quoi avez-vous besoin et que pouvez-vous réduire si vous manquez de temps?
   • Répétez avec les acteurs. Assurez-vous qu'ils connaissent leurs répliques et comment vous voulez qu'elles soient jouées.
   • Passez en revue les choix d'éclairage et de caméra avec le DP.
2. 2 Faites savoir à tout le monde ce qui est attendu au début du tournage. Donnez à chacun les détails d'une manière simple, dès le sommet. Ceci est particulièrement important pour les films à petit budget, car vous aurez généralement du théâtre et du travail gratuitement. Faites savoir aux acteurs et à l'équipe vos objectifs pour le tournage de la journée et à quel point ils vous sont reconnaissants pour votre soutien.
   • Donnez le programme de la journée à l'avance pour que tout le monde soit prêt.
   • Informez l'équipage des effets spéciaux ou des ambiances que vous recherchez et de la manière dont ils peuvent vous aider à les créer.
   • Revoyez votre procédure de prise de vue afin que chacun connaisse son rôle.
3. 3 Configurez le blocage de scène. Le blocage est l'endroit où se trouvent les acteurs et où ils vont. C'est la première étape de tout tournage, et la plus essentielle - toutes les lumières, caméras et sons ne peuvent être placés qu'après la fin. Si la scène est bien préparée, cela devrait être facile. Sinon, vous devrez passer du temps à placer les acteurs aux bons endroits.
   • Gardez cela aussi simple que possible - marcher en ligne droite, les entrées et sorties de base, et la plupart du temps des positions immobiles. Ce n'est pas un jeu et les caméras ne captureront qu'une petite fraction de la scène entière. Laissez la caméra faire le mouvement autant que possible, pas les acteurs.
   • La bande peut être placée sur le sol pour indiquer aux acteurs où se retrouver après chaque plan.
   • Vous pouvez souvent pré-planifier en utilisant des membres d'équipage ou une liste de tir détaillée pour gagner du temps. Si vous avez déjà écrit le blocage, votre tournage sera beaucoup plus productif.
4. 4 Configurez vos caméras. Il existe un nombre infini de façons de placer, déplacer et utiliser vos caméras. C'est pourquoi une liste de prises, qui est essentiellement une liste de vos positions de caméra prédéfinies, est essentielle pour gagner du temps et de l'argent. Dans l'intérêt du temps, les trois angles de prise de vue essentiels dans une scène de dialogue sont:
   • Établissement de plans, ou maîtres: Les plans d'établissement contiennent toute l'action de la scène - les personnages parlants, le décor et les mouvements. Ce sont des plans longs et larges que, si quelque chose ne va pas, vous pouvez utiliser pour filmer toute la scène, car ils capturent tout.
   • 2 prises (2 caméras): Une caméra sur l'épaule de chaque acteur, pointant vers l'autre acteur. De cette façon, vous pouvez regarder chaque personnage pendant qu'il parle.
   • Lorsque vous filmez 3 acteurs ou plus, essayez de le bloquer pour avoir 2 personnages à la fois dans le cadre - de cette façon, vous n'avez besoin que d'une seule caméra pour capturer leur dialogue.
   • Regardez certains de vos films préférés avec un œil averti. Comment, par exemple, un film capturerait-il un dîner entre 2 personnes? Vous remarquerez ces trois angles de caméra (l'un des deux + la table, l'un du gars, l'autre de la fille) plus que tout autre ensemble de plans.
5. 5 Installez vos lumières. N'oubliez pas qu'il est toujours préférable d'avoir plus de lumière que d'en avoir moins. Il est facile d'assombrir une image en post-production, mais il est très difficile de la rendre plus claire sans sacrifier la qualité de l'image. Utilisez la lumière naturelle à votre avantage dans la mesure du possible et, surtout, restez simple. Votre objectif est une belle gamme progressive de lumières - des ombres profondes et sombres et très peu de grands points lumineux.
   • Mettez votre appareil photo en noir et blanc pour voir juste la légèreté de l'image. Si c'est toujours un cliché intéressant en noir et blanc, sa couleur sera incroyable.
   • L'heure et demie autour du lever et du coucher du soleil est considérée comme le meilleur moment pour photographier à la lumière naturelle. L'éclairage est doux et uniforme, et vous pouvez même utiliser ce temps pour éclairer des prises de vue `` nocturnes '', qui sont atténuées plus tard en post-production.
   • Utilisez des «travaux pratiques» ou des lumières sur scène. Vous avez du mal à obtenir la bonne lumière? Collez une lampe dans la photo ou allumez les plafonniers.
6. 6 Sachez comment démarrer un tournage. Les techniques de démarrage d'un film varient d'un plateau à l'autre, mais elles ne doivent pas varier d'un plan à l'autre. Avoir une routine avant de commencer le tournage garantit que tout le monde est sur la même page, à chaque fois. Lorsque cela est possible, c'est le devoir de l'AD. Un exemple de routine comprendrait:
   • «Tout le monde c'est une image, calme-toi s'il te plaît!
   • «Rouler le son! C'est le signal pour démarrer les microphones. Une fois terminé, quelqu'un crie: «Rouler!
   • 'Roll Picture!' C'est le signal pour démarrer les caméras. Une fois terminé, quelqu'un crie, généralement, «Vitesse!
   • Lisez le titre, la scène et le numéro de prise: «C'est mon film, scène 1, prise 2.» Si vous avez un bardeau, il est giflé et quelqu'un crie «Marqueur!
   • 3-5 secondes de silence.
   • 'ACTION!'
7. sept Tirez sur votre couverture une fois que vous avez la scène que vous voulez. Choisissez quelques angles extrêmes, des plans intéressants de l'environnement ou des gros plans des visages, des mains ou des accessoires du personnage et relancez la scène. Ces plans ne peuvent durer que 1 à 2 secondes dans le film, mais ils sont essentiels pour le montage. Regardez n'importe quel film et remarquez combien de petits plans apparemment inutiles sont utilisés pour entrer dans le monde de la scène, montrer une secousse émotionnelle ou simplement passer d'une scène à l'autre. Filmez ces plans une fois que les acteurs ont livré leurs répliques à votre goût.
   • Les personnages parlent-ils du gâteau sur la table? Ensuite, vous avez besoin d'un coup du gâteau sur la table. Avez-vous besoin de montrer quelle heure il est? Ensuite, vous avez besoin d'une photo de l'horloge sur le mur.
8. 8 Passez en revue vos images tous les jours et rayez votre liste de plans. Vous devrez peut-être faire des sacrifices en fonction de votre budget et de votre temps, mais même les réalisateurs hollywoodiens sont obligés de le faire. Après chaque journée, assurez-vous d'avoir tout ce que vous voulez et avez besoin, puis rayez-le de votre liste de coups. Vous devez savoir maintenant, pas 3 mois plus tard, lorsque vous commencez à éditer, si quelque chose manque.
9. 9 Prenez des coups de rouleau B. B-roll est simplement les plans qui n'incluent pas d'acteurs. Il est généralement utilisé dans les transitions, l'ouverture ou la clôture du générique ou la création d'un nouvel emplacement. Sortez avec une caméra et vous DP et obtenez autant d'heures de séquences que vous le pouvez. Votre objectif principal est de penser à des images qui peuvent compléter le film. Par exemple, le B-Roll dans Amour bourré de punch est une série de plans abstraits et multicolores qui correspondent à l'état mental confus, anxieux et paralysé du protagoniste. Les films d'espionnage ont généralement beaucoup de B-Roll de plages magnifiques, de villes animées et de paysages spectaculaires. B-roll raconte votre histoire de manière subtile et visuelle.
   • Vous ne pouvez jamais avoir assez de B-roll. Lorsque vous montez, c'est le tissu conjonctif qui maintient vos scènes ensemble pour créer un film légitime.
   • Vous pouvez, et devez, tourner un rouleau B avant et après la «fin» d'une scène, car ces 2-3 secondes sont un excellent moyen d'amener lentement le public dans la scène.
10. dix Sauvegardez vos images tous les jours. À la fin de la prise de vue, prenez le temps de retirer vos images des cartes mémoire et de les télécharger sur un disque dur sécurisé. Cette petite étape à la fin de la journée peut vous faire gagner des heures et des heures dans le cas malheureux de la perte de vos images.
    • La plupart des professionnels utilisent plus d'une sauvegarde, copiant toutes les images vers au moins deux sources avant d'effacer quoi que ce soit sur les cartes mémoire.
    • Prenez également le temps d'organiser vos images. Créez un dossier pour le jour où vous avez tourné, puis organisez les images dans ce dossier par scène. Cela rendra la prise de vue beaucoup, beaucoup plus facile.
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Méthode 4 sur 4: Édition de votre film

1. un Choisissez le bon logiciel de montage pour votre film. Il existe de nombreuses options parmi lesquelles choisir en ce qui concerne les logiciels de montage vidéo (souvent appelés programmes de montage non linéaire ou NLE), des programmes gratuits comme iMovie et Windows Movie Maker aux centrales complexes de qualité professionnelle comme Final Cut Pro et Adobe Premier. Ce que vous choisissez d'utiliser est en grande partie une question de préférence personnelle et du type de projet sur lequel vous travaillez:
   • Les logiciels gratuits, comme iMovie et Windows Movie Maker, ne sont vraiment utiles que pour les petits films, généralement de moins de 20 minutes. Ils ne sont pas conçus pour gérer de nombreux angles de vidéo et de caméra et ont un nombre limité de transitions et d'options d'effets.
   • Un logiciel payant est nécessaire pour tout cinéaste en herbe. Si vous utilisez plusieurs caméras sur une scène, avez besoin de texte, de transitions ou d'effets fluides, ou si vous voulez simplement un programme de qualité professionnelle, vous devez investir dans un bon logiciel. Actuellement, les trois programmes «standard» sont Avid, Final Cut X et Adobe Premier, et chacun est livré avec un prix élevé, souvent 400 $ ou plus. Cependant, vous pouvez souvent vous abonner à ces programmes pour un petit paiement mensuel.
2. 2 Importez une scène dans votre éditeur vidéo. Avec un court métrage (moins de 20 à 30 minutes), vous pouvez probablement importer toutes les images en même temps. Mais si vous réalisez un long métrage ou travaillez simplement avec de nombreux angles de caméra, vous voudrez éditer votre film par morceaux. Importez uniquement les images dont vous avez besoin pour la scène, ainsi que tout rouleau B pertinent.
   • Si vous avez plusieurs caméras sur la même scène, utilisez l'option «Sync» de votre programme pour les aligner toutes ensemble. Trouvez le «mode d'édition multi-caméras» de vos programmes, qui permet de basculer facilement entre plusieurs prises de vue simultanément, en recherchant «[Votre programme] Édition multi-caméras» en ligne. Cela correspond à toutes les caméras afin que vous n'ayez pas à passer des heures à vous assurer que chaque coupe est à temps avec la dernière prise de vue.
3. 3 Utilisez vos premiers clichés pour définir l'ambiance et le thème de la scène. Les premiers clichés établiront la mise au point de la scène. Vous avez un nombre presque infini de choix, mais certains des plus courants incluent:
   • Le coup d'établissement: C'est de loin la manière la plus courante de démarrer une scène. Ce plan montre tous les acteurs principaux, la scène et le lieu en même temps. Cela permet au public de se faire une idée de la scène et de suivre le reste des coupes à venir.
   • Axé sur le personnage: Qu'ils disent la première ligne ou non, en suivant le personnage principal de la scène, ils disent au public que c'est la personne à laquelle ils doivent prêter attention - quelque chose leur arrivera ou ils auront une certaine prise de conscience.
   • Préparer le décor: Utilisez le rouleau B et des photos de la pièce / de l'environnement pour avoir une idée de l'emplacement. Ceci est utilisé dans beaucoup de films, en particulier d'horreur, où une scène peut commencer par 5-6 plans effrayants d'une maison hantée de pièce dangereuse.
4. 4 Construisez le dialogue autour des meilleures prises de l'acteur. Revoyez vos images et voyez quelles scènes vous aimez le plus - où tout le monde a frappé ses marques, le dialogue semble naturel et les images sont claires et nettes. Si vous pouvez trouver une prise où tout est bien fait, vous avez de la chance et votre travail sera beaucoup plus rapide.
5. 5 Montrez chaque personnage pendant qu'il livre ses lignes. Cette règle n'est ni difficile ni rapide, mais vous devriez presque toujours commencer par elle. De là, vous pouvez décider s'il est plus important de regarder un personnage écouter ou un personnage parler. Regarder Coup de fouet ou Il y aura du sang pour une bonne idée de la mise au point de la scène dans les films orientés dialogue.
   • Le meilleur personnage à montrer dans une scène est généralement une question de ressenti. Selon vous, qui doit être au centre de la ligne? Un acteur donne-t-il une expression ou une réaction particulièrement bonne à quelque chose? Où iraient vos yeux si vous étiez assis dans la pièce avec les acteurs?
6. 6 Remplissez toutes les lacunes / erreurs du rouleau B et d'autres prises. Parfois, vous n'obtenez pas une bonne prise et vous devez combiner beaucoup de séquences pour que la scène fonctionne. C'est incroyablement courant, mais cela ne devrait pas être difficile si les acteurs frappent correctement leur blocage à chaque fois. C'est à ce moment que vous ajoutez le détail et la couleur à la scène. Par exemple, un personnage peut offrir à quelqu'un le gâteau sur la table, et vous pouvez couper en un coup de gâteau. Ou, dans une scène d'interrogatoire tendue, vous pourriez montrer le visage des criminels de près, en sueur et inquiet, avant de revenir à la ligne de dialogue suivante.
   • Il n'y a pas droite façon d'éditer une scène, tant que vous vous souvenez que vous essayez de raconter l'histoire avant tout. Laissez les images parler autant que possible.
7. sept Ajustez le timing de la scène pour lui donner du rythme. Le montage concerne le rythme et le timing. Vous avez besoin que le film coule naturellement. C'est pourquoi les éditeurs pensent en termes d'images individuelles - les prises de vue fixes en micro-seconde que vous voyez si vous mettez l'écran en pause - au lieu de secondes. De nombreux éditeurs travaillent sur la musique pour cette raison, éditant les cadres pour s'adapter à un rythme ou à une chanson et donner un rythme à la scène. Vous n'êtes pas obligé de vous en tenir au rythme naturel des acteurs à l'écran, et dans de nombreux cas, vous ne devriez pas. L'ajout ou la suppression de pauses, même de quelques dixièmes de seconde, peut faire d'une bonne performance une excellente performance. Par exemple:
   • Les scènes comiques, orientées vers l'action ou à haute énergie ont un timing très rapide. Il n'y a pas beaucoup d'espaces entre les lignes et les mots tombent presque les uns sur les autres pour sortir. Cela rend la scène rapide et vivante.
   • Les scènes tendues sont généralement plus lentes. Les pauses sont longues, le rouleau B est beaucoup utilisé et les prises de vue sont maintenues pendant une longue période pour mettre le spectateur mal à l'aise. Pour une classe de maître en montage lent, regardez 12 ans d'esclavage, en particulier la scène suspendue au milieu du film.
   • Il faut 3 à 5 images au cerveau humain pour reconnaître une image. Cela signifie que si vous essayez d'être trop rapide avec les choses, vous risquez de confondre le public.
8. 8 Apprenez les différents types de coupes à éditer professionnellement. Le montage est l'art de raconter une histoire à travers des coupes. En d'autres termes, un film est simplement une série de vidéos dos à dos, et la façon dont vous passez de l'une à l'autre est la façon dont le public perçoit l'histoire. Par conséquent, la façon dont vous commandez la coupe d'une vidéo à l'autre est tout ce qui compte lors du montage d'un film. Les meilleures coupes sont transparentes, racontant l'histoire sans que le public se rende compte que nous sommes passés d'une scène à l'autre.
   • Coupe dure - une coupe immédiate à un autre angle, généralement dans la même scène. C'est la coupe la plus courante dans le film.
   • Smash Cut - Un changement brusque vers une scène complètement différente. Cela attire l'attention sur la coupure, signalant souvent une surprise ou un grand changement dans l'intrigue.
   • Coupure de saut - Une coupure abrupte faite dans la même scène, souvent d'un angle légèrement différent. Celles-ci sont rares et montrent généralement de la confusion ou le passage du temps.
   • Coupe en J - Lorsque vous entendez le son de la prise de vue suivante avant de voir la vidéo. C'est un excellent moyen de lier deux scènes de manière thématique ou de fournir une narration.
   • Coupe en L - Lorsque vous voyez la vidéo de la prise de vue suivante avant d'entendre le son. C'est un excellent moyen de montrer un personnage en train de parler de quelque chose, comme une promesse, puis de le faire (ou de le rompre).
   • Coupe d'action - Une coupure au milieu d'une action, comme quelqu'un qui ouvre une porte, qui «cache» la coupure dans l'action. Par exemple, un personnage pourrait se déplacer pour un baiser, et lorsque sa tête traverse l'écran, vous coupez la tête en entrant dans l'écran d'un autre angle, généralement la personne sur le point d'être embrassée.
9. 9 Assemblez vos scènes avec B-roll et transitions. Une fois que vous avez créé vos scènes, il est temps de commencer à les rassembler. Si vous avez édité toutes vos scènes en tant que fichiers séparés, importez-les dans un nouveau projet «Master Film» et mettez-les dans l'ordre. Ensuite, utilisez votre rouleau B, vos photos de couverture et vos transitions pour les faire s'harmoniser parfaitement. Alors que vous regardiez à l'origine le timing de la scène, maintenant vous regardez le timing du film - pouvez-vous recadrer une scène ici et là pour accélérer les choses? Avez-vous besoin d'un peu plus de B-roll entre les scènes pour donner au public le temps de réagir à un moment dramatique? Encore une fois, le timing est primordial.
   • C'est le bon moment pour demander à un ami de regarder le film avec vous. Comprennent-ils tout ce qui se passe? Y a-t-il des points de l'intrigue qui sont perdus dans le shuffle et nécessitent plus de temps? Est-ce que tout cela est surexpliqué et peut être coupé?
   • En général, plus vous coupez, meilleur est le film. Si une scène ne fonctionne pas et qu'elle n'ajoute rien d'utile à l'intrigue, débarrassez-vous-en.
10. dix Corrigez la couleur et le son de votre film pour le rendre professionnel. Une fois que vous avez le film aussi bon que possible, il est temps pour le long processus de nettoyage. Les dernières étapes, et les plus importantes, d'un film professionnel sont la correction des couleurs et le mixage du son. Bien qu'il y ait des livres entiers écrits sur le sujet, le meilleur conseil est de simplement rendre tout cela cohérent - les scènes ont un éclairage et une couleur similaires, et il n'y a pas d'endroits où le son est manifestement fort ou difficile à entendre.
    • Il existe de nombreux studios qui, pour une somme modique, peuvent être payés pour effectuer une correction professionnelle des couleurs et un mixage sonore. Si vous ne savez pas comment faire cela et que vous voulez un film professionnel, vous devez absolument payer pour un étalonnage professionnel des couleurs et un mixage sonore.
11. Onze Modifier pour raconter l'histoire, pas pour être flashy. Il existe de nombreux films flashy, célèbres et stylisés qui semblent être une excellente idée à copier. Quentin Tarantino et Guy Ritchie, en particulier, ont vu leurs styles cinétiques animés dans des films comme Pulp Fiction et Serrure, Stock et deux barils de fumage, s'approprié par les jeunes cinéastes du monde entier. Ce que ces gens ne réalisent pas, c'est que ces réalisateurs ont choisi ce style parce qu'il correspondait au film. Le montage semble sans effort car il laisse simplement les histoires (histoires cinétiques, orientées action) occuper le devant de la scène. Votre travail numéro un lors de l'édition est de laisser l'histoire se raconter naturellement. Vous guidez le spectateur, mais à aucun moment le spectateur ne doit commenter la modification. Le meilleur montage est invisible. Publicité

Questions et réponses de la communauté

• Question De quoi ai-je besoin pour faire un film?Éditeur de l'équipe de wikiHow
  Réponse du personnel Cette réponse a été rédigée par l'un de notre équipe de chercheurs qualifiés qui l'a validée pour sa précision et son exhaustivité. Réponse du personnel de l'éditeur de l'équipe wikiHow Travaillez simplement avec les emplacements et les éléments auxquels vous avez déjà accès. De cette façon, vous pouvez économiser de l'argent et trouver des solutions créatives.
• Question Quel a été le premier film jamais créé? On pense que Roundhay Garden Scene est le plus ancien morceau de film existant. C'est techniquement un film, même s'il ne dure que 2 secondes.
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• Question Comment diffuser mon film au public? Vous pouvez le télécharger sur un service de streaming en ligne ou engager un agent pour le magasiner pour vous.
• Question Je suis nouveau dans le domaine de la réalisation. Je n'en sais rien mais je veux faire un film. Est-ce possible? Oui, c'est possible si vous recherchez le tournage et l'étudiez. À moins que vous ne soyez dans une classe qui étudie spécifiquement le tournage / la réalisation, vous voudrez peut-être rechercher les bases du tournage, puis passer aux choses avancées plus tard.
• Question Comment obtenir toutes les personnes dont j'ai besoin pour le film? Commencez par des amis et des personnes dont vous savez qu'elles travailleraient avec vous et bien ensemble. Si vous optez pour un film plus professionnel, prévoyez un budget plus important et utilisez les sites d'emploi.
• Question Que dois-je faire si je souhaite créer un film basé sur un média officiel? Vous devrez obtenir l'autorisation officielle des médias et faire signer un contrat. Habituellement, vous devrez payer les droits d'utilisation des médias.
• Question Est-ce que faire un film est difficile? Stanley Kubrick C'est la chose la plus difficile que j'ai jamais faite de ma vie. Mais si vous aimez le cinéma et tout ce qu'il représente, le travail ne vous dérangera pas.
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• Question Puis-je simplement aller en ville avec mon équipe et filmer sans permission? Cela dépend de l'endroit où vous filmez. Certaines régions ont des lois contre le tournage dans les espaces publics, alors vérifiez d'abord vos lois locales.